My painting is a visceral celebration of the human experience — a constant reach toward a vital authenticity that rejects minimalism in favor of an aesthetic of excess and the sacred everyday.
My process begins with the earth. Eschewing synthetic colors, I return to the alchemy of natural pigments, orchestrating a material dialogue between the iwa-enogu of Japanese tradition and the historical earths of Italian painting. This choice is not born of technical nostalgia, but of a desire to restore an organic, mutable quality to the painted surface. Mineral and metallic pigments, bound with natural glue, imbue the work with a chromatic vibration that responds to light, transforming the canvas into a living organism that shifts with the passing hours and the gaze of each viewer.
At the center of this universe of saturated fields and hypertrophic patterns, the human figure — often female — emerges as an emotional fulcrum. My figures do not pose; they explode. They are captured in moments of vital paroxysm, brazen laughter, and dynamic postures that claim both space and power.
Many of these works incorporate hand-sewn fragments of antique kimono and obi. These fabrics are carriers of a history of the female body, physically weaving themselves into the pictorial narrative.
The body of work as a whole is an ode to intensity. It is an attempt to give visible form to a specific tension: the drive toward a fuller, louder, more honest existence.
La mia pittura è una celebrazione viscerale dell’esperienza umana — una tensione costante verso un’autenticità vitale che rifiuta il minimalismo per abbracciare un’estetica dell’eccesso e del sacro quotidiano.
Il mio processo parte dalla terra. Rifiuto i colori di sintesi per tornare all’alchimia dei pigmenti naturali, orchestrando un dialogo materico tra gli iwa-enogu della tradizione giapponese e le terre storiche della pittura italiana. Questa scelta non è nostalgia tecnica, ma un modo di restituire alla superficie pittorica una qualità organica e mutevole. I pigmenti minerali e metallici, legati con materiali naturali, conferiscono all’opera una vibrazione cromatica che reagisce alla luce, trasformando la tela in un organismo vivo che muta con il trascorrere delle ore e con lo sguardo di chi la osserva.
Al centro di questo universo di campiture sature e pattern ipertrofici, la figura umana — spesso femminile — emerge come fulcro emotivo. Le mie figure non posano; esplodono. Sono colte in momenti di parossismo vitale, risate sfrontate e posture dinamiche che rivendicano spazio e potere.
Molti dipinti incorporano frammenti di antichi kimono e obi cuciti a mano sulla tela. Questi tessuti non sono solo decorazione, ma testimonianze di una storia del corpo femminile che si intreccia fisicamente alla narrazione pittorica.
Il corpo di lavoro nel suo insieme è un’ode all’intensità. È il tentativo di dare forma a una tensione: quella verso una vita più piena, più rumorosa e più onesta.